Investigação Baseada na arte, o que vem a ser isso?

Investigação Baseada na arte, o que vem a ser isso?

O Instituto Federal de Educação e Tecnologia do Ceará – IFCE, através do Programa de Pós-Graduação em Artes, realizou o I Seminário Práticas Artísticas e Demandas Contemporâneas, de 23 a 27 de abril de 2018, com o tema Miscigenação Poética: o lugar da pesquisa na arte. Eu preparei o artigo “Investigação Baseada na Arte: um recurso metodológico para a pesquisa em arte” para debater no evento. O tema foi foco da minha tese de doutorado, publicado no livro Amor invisível: artes e possibilidades narrativas, e é recorrente, pelo menos com meus orientados e membros do Grupo de Pesquisa Artes, Comunicação e Possibilidades Narrativas da UFPB.

Quando se trata de pesquisa em arte, muitas dúvidas despontam como água na fonte. Arte é conhecimento ou entretenimento? Arte é ciência? Pela ótica de muitos pesquisadores das Ciências Humanas e Sociais, sim. Pelo olhar das ciências exatas, não. O fato é que eu trabalho com a perspectiva de que arte gera conhecimento, portanto é ciência. Contudo essa compreensão merece atenção redobrada porque para se fazer ciência faz-se necessário rigor acadêmico. O trabalho artístico traz em si a candura e subjetividade da criação; todavia a pesquisa em arte exige a profundidade de análise científica sobre o objeto que se estuda. Por exemplo, deve-se evitar a busca do caminho mais fácil quando se trata com arte pela ótica científica. Devem-se evitar equívocos como confundir relatório com dissertação, trabalho lato sensu com stricto sensu. Quando se trata de um trabalho de conclusão de curso ou uma monografia de especialização, falamos de lato sensu, que é um trabalho de sentido amplo. Quando a pesquisa é uma dissertação ou tese falamos de trabalho stritu senso, ou seja, de sentido limitado, que exige um aprofundamento teórico mais consistente; nesse caso há que ter uma metodologia de pesquisa bem definida e rigor científico. Na dissertação de mestrado se pesquisa um objeto com o fim de aprofundamento temático, mesmo que este já tenha sido explorado em outras pesquisas. No caso da tese de doutorado, faz-se necessário um aprofundamento científico, um tratamento diferenciado, inovador, inédito para o objeto pesquisado.

A convivência com essa questão no seio da universidade me faz trazer a pesquisa em arte para o foco da ciência com essa atenção mais apurada porque o fazer artístico, infelizmente, é muito tecnicista. Ainda o é! A pós-modernidade está dando um puxão de orelha em quem insiste pela ótica tecnicista no fazer e no ensinar arte. Diagnostico que na universidade se está lendo muito pouco. O grupo de pesquisa que atuo “Artes, comunicação e possibilidades narrativas” também diagnostica a mesma deficiência de leitura contextual. Poucos alunos conhecem sobre a cultura do espetáculo citada por Guy Debord, a arte no contexto da sociedade líquida e individualizada tratada por Zygmunt Bauman. O que é mais grave, nunca ouviram falar de Elliot Eisner.

Eisner foi quem pensou a Investigação Baseada na Arte e provocou essa área de conhecimento questionando se existe outro lugar mais adequado para ousar na pesquisa em arte que não seja a pós-graduação nas instituições de ensino superior. Esse é um campo a ser explorado, todavia precisa-se quebrar o paradigma da arte tecnicista. Como sugestão para esse rompimento, sugiro a arte híbrida como caminho a ser trilhado.

Set de filmagem na Time Square. Nova Iorque, EUA.

Minha escolha por trabalhar com a IBA se deu quando descobri que sua finalidade é
utilizar a arte como método, uma forma de análise, de diagnóstico, um tema, ou todos esses propósitos dentro da investigação qualitativa. A pesquisa baseada na arte parte da compreensão de que as artes, da mesma forma que as ditas ciências, geram conhecimentos, portanto podem ajudar-nos a compreender o mundo no qual vivemos.

A primeira vista

À primeira vista

Carlos Cartaxo

Ela chegou não sei bem de onde; nem sei bem por onde. Cheirosa, sensual e elegante, vestida como uma deusa; se é que sei como as deusas se vestem. Seu olhar profundo me hipnotizou, foi uma fonte jorrando libido no meu âmago masculino. Senti a doçura dos seus lábios; senti a ternura da sua feminilidade dócil. Fiquei encantado! Belisquei-me para ter certeza de que não era sonho. Sua respiração irradiou energia de desejo, de determinação. Veio-me à mente a sensação cálida: mulher revolucionária!

Que encanto! Nada, muito mais: deslumbre! Sonho travestido de realidade. Inspiração brotando como água vertente na fonte. Uma cachoeira de idéias libidinosas. Acreditar ou subverter a lógica da paixão e me anular? Amor à primeira vista! Que nada, apenas... Era inexplicável o que sentia. Uma sensação pulsante que vinha das entranhas do homem que sou. Uma força interior que me deixava suando, propiciando um nervosismo incontrolável. Pura excitação! Deixar a racionalidade escapar pelos olhos ou fingir que não vê? Viver, simplesmente viver foi a opção determinística de quem deveria usufruir do momento.

A deusa mudou de posição. Ela é de verdade, tem vida como todas as deusas reais. Felizmente tem vida, não é apenas um sonho. Eu não queria acreditar que aquela mulher era de carne e osso. O jeito sutil de jogar o cabelo para trás foi um estímulo a mais na minha percepção masculina que trás consigo o conceito preciso do que é ser feminina. Absorto, permaneci incrédulo. A dúvida cruel que domina milhões de pessoas, nesse exato momento, me fazia mais um, nesse universo de milhões. Acreditar ou não? Num átimo conclui que não há escolha para quem está sob o efeito de encantamento, senão mergulhar na profundeza do sonho.

Trouxe à superfície da pele a sensibilidade para concretizar a minha certeza: era o melhor dos meus sonhos. Só do meu, não, dos sonhos de muitos e muitos que poderiam estar vivendo aquele momento. A partir daí já não havia mais dúvida, era entrega total. Ser ou não ser? Sou homem o suficiente para encarar, assumir a felicidade ao lado daquela princesa.

Foram horas de insinuações; o tempo que o mundo precisava para colher a felicidade. Feminilidade à flor da pele. Como um axioma, assim não há quem resista. Até que, felizmente, ela tomou a iniciativa e partiu para encetar o diálogo. Eu nem poderia acreditar que a decisão vinha dela. A dúvida estava recheada de surpresa: o que será que uma deusa pode falar? Olhou para minhas mãos e observou o volume que eu segurava. Não hesitou e proferiu a primeira frase: não sei como alguém gosta de ler!

Foto da internet. Não foi identificado o;/a autor/a.

Formação superior em arte: bacharelado ou licenciatura?

Formação superior em arte: bacharelado ou licenciatura?

Carlos Cartaxo

Dentre as minhas preocupações como pesquisador, a temática que tem sido recorrente é a estrutura pedagógica dos cursos de artes em nível superior no Brasil. Estamos chegando ao final da segunda década do século XXI e ainda encontramos cursos de licenciaturas de arte que são apenas complemento pedagógico do bacharelado. Quem pensa por essa ótica não conhece os procedimentos pedagógicos das artes no ensino básico.

Primeiramente: a arte no ensino básico não tem a função de formar artistas. Portanto deve ser ministrado por profissionais licenciados, professores, preparados pedagogicamente para ministrarem conteúdos para formação estética e cultural dos discentes.

Segundo: o bacharel não tem formação pedagógica, apenas técnica; portanto é o profissional preparado para atuar no mercado como artista.

Os bacharelados formam profissionais que, muitas vezes, não encontram mercado de trabalho, então vão atuar como professores do ensino básico sem formação para tal. Partem do pressuposto de que o fato de ser artista lhe dá qualificação para entrar em sala de aula do ensino infantil, fundamental ou médio. Quando isso acontece, as pesquisas que desenvolvo no grupo de pesquisa Artes, Comunicação e possibilidades narrativas, constatam que falta a formação didática e a finalidade do ensino de arte no ensino básico toma outro rumo que não é o mais adequado, nem o indicado.

Então, o argumento de que a licenciatura é apenas uma complementação pedagógica do bacharelado é um equívoco de quem não conhece a estrutura pedagógica para formação docente. Não basta conhecer arte ou ser um bom artista para ser professor de arte; faz-se necessário saber como e com que recursos trabalhar a arte em sala de aula. Precisa conhecer os conceitos de Piaget e Vygotski sobre a evolução do pensamento. Precisa conhecer o método dialético de Paulo Freire. Uma coisa é dar aula para formar artista; outra é dar aula para forma cidadãos cultos, intelectualmente preparados para apreciar e partilhar o universo artístico e cultural. A pessoa que conhece arte e é consumidor de arte, necessariamente não precisa ser artista. É a mesma lógica das outras disciplinas. A matemática que se ensina na escola não é com o fim de formar matemáticos; a literatura que se ensina, não é necessariamente para formar escritores.

No universo plural, líquido, volátil e individualizado que estamos vivendo não se comporta mais o ego de artistas que se tornam professores no ensino superior, distantes quilômetros da sala de aula do ensino básico, mas que insistem em fazer dos cursos de graduação, cursos eminentemente tecnicistas. Nunca é demais lembrar a essas pessoas que o tecnicismo fruto do taylorismo e do fordismo foi há um século. O contexto atual é outro e eles, esses professores, estão inseridos nessa nova realidade.

Essa questão eu abordei no meu livro O ensino das Artes Cênicas na escola Fundamental e Média de 2000. Critico o enquadramento do ensino das artes em apenas quatro categorias: Teatro, Dança, Música e Artes Visuais. Esta última é confundida com artes plásticas. E onde fica o ensino do áudio-visual, do circo, da performance, da capoeira, da ópera? Lembro que ópera não é apenas a erudita. Os folguedos populares como: Nau Catarineta, Boi bumbá, etc., são óperas populares. O argumento é que essas expressões artísticas entram nas quatro categorias principais, ou seja, essas últimas ficam à margem, infelizmente por falta de inclusão são marginalizadas.

Esse modelo de matriz pedagógica para o ensino de arte não corresponde à dinâmica da pós-modernidade. Há muito tempo que venho combatendo esse equivoco que até hoje muitos insistem em martelar no conservadorismo. Meu livro Amor invisível: artes e possibilidades narrativas, de 2015, também aborda essa questão.

A arte se reinventa, todavia o ensino de arte no Brasil insiste e persiste dentro de um sistema de casta que faz da arte um emblema que não pode mudar muito menos avançar. Enquanto isso, os cursos nas instituições de ensino superior se distanciam da realidade e permanecem, lembrando o compositor nordestino Belchior, “como nossos pais”.

Referências

CARTAXO, Carlos. Amor invisível: artes e possibilidades narrativas. João Pessoa, Ed. CCTA, 2015.

̶ ̶ ̶ ̶ ̶ ̶ ̶̶ ̶ ̶ ̶̶ ̶ ̶ ̶ ̶ ̶ ̶ O ensino das Artes Cênicas na escola Fundamental e Média. João Pessoa, Ed do autor, 2000.

FREIRE, Paulo. Pedagogia do oprimido. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1988.

PIAGET, Jean. A formação do símbolo na criança. Rio de Janeiro: Zahar, 1971.

VYGOTSKY, L. S. Pensamento e Linguagem. São Paulo: Martins Fontes, 1991.

Asas para voar com a arte

Carlos Cartaxo

O desejo humano de voar sempre foi exponencial. Ícaro, quem era mesmo? Esse personagem mitológico foi criado de forma ficcional para o ser humano poder dá forma, mesmo que conotativa, ao sonho de voar. Aqui temos a arte nos permitindo voar ou nos dando o direito de voar através da arte ou até mesmo com ela.

Pois bem, no final de 2017, vi e interagi com uma postagem na internet, de um artista plástico de Campina Grande, Paraíba, Brasil, que perguntava sobre a opinião de um vídeo de uma performance. No momento não vem ao caso a performance, mas como ele adjetivou aquela expressão artística. Ele perguntou se era arte, mas ele mesmo respondeu dizendo que não era e que aquilo era uma “merda”, palavra dele.

Diante desse quadro pintado por esse artista, me resta a dúvida: será que ele tem alguma noção sobre história da arte? Será que ele sabe sequer distinguir arte clássica, da moderna e da pós-moderna? A trajetória da arte segue a mesma trajetória da história da humanidade, ou seja, está em constante mutação.  Em muitos casos o processo é de constante transformação. Não obstante essas mudanças, muitos artista ficam apenas focados no fazer e não se dão conta de que o fazer não deve ser apenas um ato isolado, até porque ninguém está totalmente isolado sem interferência do meio que o rodeia. Nesse sentido, o artista é um sujeito, assim como todo mundo, que tem que se atualizar constantemente porque a arte, como a vida, é dinâmica, é um fluxo e refluxo de ser e não ser.

Quando o artista ou qualquer outro ser humano não se atualiza fica refém das mudanças constantes da vida. Estagnar diante do tempo e das transformações do mundo é uma opção suicida. A comunicação é um bom referencial para essa tese. “Quem não se comunica se trumbica”. Esse jargão do animador Chacrinha, Abelardo Barbosa, é a chave para a compreensão de que se isolar quer dizer se comunicar de forma estática.

Eu tenho visitado inúmeros museus e instituições de arte pelo mundo, dentre elas museus de arte contemporânea. Ao se deparar com a arte contemporânea, que prefiro denominá-la pós-moderna, temos um impacto de compreensão e admissibilidade de que “aquilo” é arte. Daí a denominação pelo artista, campinenses, de que essa arte é “merda”. Para compreendermos algo precisamos conhecer e, na maioria dos casos, estudar sobre o tema. Como estamos vivendo um momento de transição entre a modernidade e a pós-modernidade, precisamos de conhecimento sobre como essa transição acontece, o porquê dela acontecer, como os sujeitos se comportam diante dessas mudanças significativas, muitas vezes pouco perceptíveis. Para isso temos que ter humildade para aprender sobre o momento que estamos vivendo e como a arte se situa nesse contexto.

Uma das formas de entender e aprende sobre a arte no contexto pós-moderno além de leituras é visitar museus, galerias, ver filmes, performances e espetáculos. Recentemente visitei o Instituto de Arte Contemporânea de Boston - ICA, EUA, e lá a primeira pessoa a qual me lembrei foi o colega artista campinense. Esse cidadão do mundo da arte, como todos nós, precisa mergulhar no universo artístico que não seja apenas aquele que ele está inserido. É uma questão de alfabetização visual. É a importância de compreender e decodificar os processos denotativos e conotativos que são intrínsecos a arte enquanto expressão comunicativa do ser humano. No ICA há uma exposição de Mark Dion, artista norte-americano, que rompe com as formas tradicionais da arte clássica e usa elementos naturalistas no contexto da pós-modernidade para expressar, através de instalações, sua visão de mundo no final da segunda década do século XXI. Ele buscou objetos de escavações do século XIX, como garrafas, ferramentas, cerâmicas e expôs a vida passada e seus efeitos conotativos no hoje. É um trabalho fruto de pesquisa etnográfica, é um misto de ciência e arte. É um trabalho pós-moderno que tem nos elementos da natureza e do cotidiano a essência do ser humano. Para dizer que essa criação é arte não basta dizer gosto ou não gosto, muito menos adjetivar com palavras indevidas e preconceituosas. 

O ICA também tem uma agenda de performances. Aqui vem o que considero mais importante no universo pós-moderno da arte: a arte híbrida. Como escreveu Lúcia Santaella “a comunicação e arte convergem”. Essa tendência contribui para expressar o mundo hoje, a pluralidade e velocidade da veiculação das informações, a manipulação das informações e das formações. A ideologia do consumo e da dependência de algo e até de alguém.

No Brasil temos uma série de instituições que trabalham com arte no contexto contemporâneo e/ou pós-moderno, por exemplo, o Inhotim em Minas Gerais que é um referencial significativo para formação, interação e lazer. No Porto, em Portugal, temos O Museu de Serralves que é um belo exemplo de instituição que quebra paradigmas, renova conceitos e contribui esteticamente para com a alfabetização visual. O Museu de Arte Contemporânea de Barcelona, Espanha, também engrandece o debate sobre o tema pela riqueza que constitui o seu acervo e por suas belas exposições programadas.

Peça em exposição no Inhotim

Portanto o debate, a leitura e estudos são importantes na formação cidadã, até porque gosto se discute, sim.  E quem tem conhecimento tem vôos mais seguros e precisos sem ser dono da verdade absoluta; até porque o conhecimento e a humildade nos possibilitam entender que toda verdade é relativa, inclusive nos relacionamentos humanos e no universo da arte e da comunicação.

O universo da arte em contextos adversos

O universo da arte em contextos adversos

Carlos Cartaxo

O mundo nos expõem inúmeras imagens no nosso cotidiano. Infelizmente, na maioria das vezes, passamos despercebidos do que realmente deve ser visto. É a velha concepção de que se vê, mas não enxerga. Essa pouca percepção podemos considerar como sendo um dos elementos que compõe o analfabetismo visual, conceito inerente a educação visual e, consequentemente, ao mundo das artes. Portanto é sobre esse tema que trato agora.
É claro que essa questão é muito mais ampla, pois trata-se de leitura visual, por isso o termo analfabetismo visual; não obstante a complexidade,introduzo o debate com o intuito de ampliar esse conteúdo. Para superar essa, digamos deficiência, faz-se necessário trabalhar alguns sentidos, principalmente a visão. Todavia não basta estimular a visão, precisamos estimular a sensibilidade e a percepção para avançarmos na cognição. Só assim teremos um debate social maduro através da arte.
Pois bem, em recente visita ao Metropolitan Museum of Art de Nova Iorque eu me deparei com inúmeras obras, principalmente esculturas e pinturas, com nu e fui direcionado a analisar o tratamento dado, por parte de grupos conservadores, sobre a exposição QueerMuseu realizada em Porto Alegre e a performance "La Bête" do MAM - Museu de Arte Moderna de São Paulo. Para os conservadores, arautos da "boa" moral, criança não pode entrar no Metropolitan e, tem mais, nem passar na calçada. Dentre as dezenas de obras com nu, talvez centenas, destaco o Sarcófago romano de mármore, datado de 220-230 d.C., e a imagem da calçada em frente ao Metropolitan. Complementando publico a imagem de um pedinte, branco, na esquina da famosa loja Macy's, considerada paraíso do consumo pela sua grandeza, preço e qualidade dos seus milhares de produtos.

Então, me resta refletir sobre o papel da arte na representatividade humana em sociedade. Nova Iorque mostra inúmeras faces da vida humana. É um espaço belo onde fervilham consumidores, trabalhadores e turistas curiosos. Nesse contexto reflito sobre que mundo a arte pode oferecer à formação intelectual, cultural e ética de uma criança. Para os conservadores e moralistas, a criança poder crescer vendo pedintes e miséria a olho nu nas ruas, mas não pode ver o nu, natural do ser humano, em museus. Lembro que museus e teatros são espaços públicos, mas fechados, onde os pais têm a liberdade e o direito sobre levar ou não seus filhos e que as obras artísticas não têm qualquer conteúdo erótico, diferentemente do que é visto cotidianamente nas televisões brasileiras.

 
Fruto dessa onda conservadora e retrógrada, inclusive na política, que vem se espalhando pelo Brasil, fui informado que um escola evangélica de Bayeux, na grande João Pessoa, reuniu os pais e mães para falar sobre o tema do nu e do cuidado que deve-se ter com a formação das crianças. Foi uma tarde doutrinária coordenada por um psicólogo evangélico. Para o debate tiveram como referência o ECA - Estatuto da criança e do adolescente. É claro que interpretaram o ECA em parte e de acordo com a concepção evangélica. A fonte da informação tem formação acadêmica e evangélica e defende, por exemplo, os homossexuais. No entanto, no final da conversa, ao falar sobre o tema, preocupada com a filha criança, condenou as ações artísticas, acima citadas, em nome da moral e dos bons costumes.
Para quem estuda e trabalha com arte, esses eventos só vêm reforçar a necessidade da arte se abrir, sair dos museus e galerias, teatros e auditórios, espaços fechados e burgueses, para permitirem uma formação plural através da educação visual. Tentar cercear as crianças de conhecerem o "mundo" naturalmente é formar pessoas com pouco conteúdo e sem leitura crítica, portanto submissas e alienadas . Aqui deixo a reflexão para os leitores e concluo que a arte é um universo cujo conteúdo nos situa e nos faz enxergar, além de ver, os contextos adversos que nos cercam.

Fotos do autor

O contraditório do tecnicismo no ensino da arte

O contraditório do tecnicismo no ensino da arte

CC

Eu iniciei minha trajetória como diretor teatral, em 1982, no espetáculo infantil “Vamos brincar de Circo”, texto de Francisco Medeiros. Essa montagem me introduziu no universo da educação e da cultura como pesquisador. De lá, início da década de 80, século XX, a segunda década do século XXI, dirigi alguns espetáculos alguns espetáculos teatrais tendo como fundamento a técnica circense. Elaborei três personagens de palhaço. O primeiro, Ventania, criei para a peça teatral “O palhaço e o rei”, texto de Marcos Pequeno; o segundo, Beroaldo para solos cênicos; e Mimoso, para animação e apresentações artísticas. Essa experiência com o universo lúdico infantil, na sua magnitude, se deu através do Grupo de Teatro suspensório Produções Artísticas, em Parahyba, capital do estado da Paraíba.

Fruto dessas vivências e de uma especialização em Ensino Superior na Universidade da Amazônia, UNAMA, em Belém do Pará, nasceu o livro “O ensino das Artes Cênicas na Escola Fundamental e Média”. Nesse trabalho há um capítulo sobre circo onde abordo a gênese dessa expressão artística: sua origem, as companhias circenses, a dramaturgia circense, o artista circense, o palhaço, o circo no contexto do modernismo, e o circo, enquanto conteúdo, na escola. Introduzo também  processos metodológicos no ensino do circo na escola, momento em que demonstro caminhos metodológicos através de atividades como: vamos brincar de circo, que são atividades que podem ser desenvolvidas em todas as séries do ensino básico; brinca de malabarista; brincar de cambalhotas, exercícios individuais, de dupla e de trio; parada de mãos; parada de mãos e cabeça; pirâmide de virilha; equilíbrio no rola-rola; perna-de-pau; o domador e seus “animais amestrados”; e números de palhaço. Esses exercícios são ilustrados, o que facilita o planejamento e execução para cada série.

Quando escrevi o livro “O ensino das Artes Cênicas na Escola Fundamental e Média” já tinha a arte híbrida como foco do meu trabalho. Á época ainda não tinha um embasamento teórico que certificasse o trabalho como híbrido; todavia, podemos reconhecer que essa tendência rizomática para a arte na escola tem fundamento porque compreendo a arte como uma experiência humana que se dá em rede, de forma diversa e concomitante. Essa é uma questão plural, nunca específica com base tecnicista, que é abordada pela ótica pedagógica. O seu conteúdo se dá de forma inter ou transdisciplinar, seja na educação formal ou informal. Essa concepção se choca com a proposta dos PCNs – Parâmetros Curriculares Nacionais que vieram depois da LDB 9394/96. Esses PCNs alteraram o ensino de arte; destituiu o ensino das artes cênicas, para garantir o ensino do teatro e da dança, além da música e das artes visuais.

Em 20 de abril de 2017, vi o espetáculo “Estações” da Escola Livre de Circo Djalma Burahêm, na Escola Piolin, em Parahyba. A luz e a trilha sonora complementam a plasticidade do espetáculo. A base técnica do trabalho é a arte circense, mas há concomitância com a dança e o teatro. A cada cena, durante a apresentação, eu me perguntava: como o circo pode estar, como conteúdo, fora do ensino de arte na educação formal? É um exemplo do estreitamento do conteúdo do ensino de arte na escola brasileira. Se o professor quiser trabalhar esse conteúdo tem que inserir na disciplina de teatro. A mesma questão de cerceamento do circo se dá também com a performance e outros conteúdos do universo da arte.

Essa tendência de fatiar o ensino de arte em apenas quatro áreas da expressão humana é uma concepção tradicional, tecnicista, que foi apresentada ao mundo no final do século XIX,  início do século XX, por Frederick W. Taylor. A proposta de fracionamento do trabalho, reduzindo a habilidade do trabalhador a apenas uma ação dentro do sistema de produção, foi apresentada nos Estados Unidos da Américas. Taylor criou a figura do especialista. Em seguida essa técnica foi adotada por Henry Ford, nas suas fábricas de automóveis, com o fim de racionalizar o sistema de produção. O objetivo era limitar o saber do operário sobre seu próprio trabalho e controlar o conhecimento deste sobre suas atividades profissionais. O operário deveria ter apenas uma habilidade técnica. Daí nasceu o domínio limitado do saber profissional. O operário tinha que saber tudo sobre sua atividade, mas não precisa, em muitos casos, não deveria, saber nada sobre a operação seguinte ou anterior a sua.

No final do século XX essa ideia chegou ao ensino de arte no Brasil e continua até hoje. O professor, formado em teatro, que trabalhar  com artes visuais ou seja fotografia, elaboração de cartaz, pintura de moral ou cenário, confecção de bonecos, corre o risco de ficar em uma situação delicada. É um forte candidato a ir à forca. Podem ser excomungados da “igreja” dos tecnicistas e especifistas do trabalho. O professor de música que ousar dirigir um musical com seus alunos, uma performance ou uma coreografia para o coral da turma, também pode ser julgado pelo tribunal da inquisição do universo professoral da arte. A habilidade de múltiplos saberes é confundida com polivalência na educação. Essa resistência a pluralidade de saber conduz à departamentalização do ensino da arte, o que termina excluindo áreas do conhecimento artístico do currículo na escola formal. Inúmeras experiências na educação informal, principalmente, no terceiro setor, tem demonstrado a eficiência pedagógica de se trabalhar com conteúdos oriundos da arte híbrida. O Itaú cultural é um bom exemplo. “Em Cena Sonora” foi  série da Rádio Itaú Cultural, criado pelo curador Ricardo Carioba, com programas experimentais que misturam artes cênicas com peças de áudio, voltados para artistas de formação variadas - músicos, bailarinos, atores, diretores, poetas, coreógrafos. É a produção de uma paisagem sonora que possibilite diálogos com a dança ou com a expressão teatral. É a convergência da arte e da comunicação no processo de aprendizagem. Os resultados foram quatro programas que, por diferentes abordagens, sugerem imagens, movimentos e encenações que você ouve ou pode baixar para ouvir onde quiser através da página do Itaú Cultural que fez o seguinte chamado:

Rádio, dança e teatro: dá para misturar? Esse foi o desafio que lançamos a artistas de várias origens − músicos, bailarinos, atores, diretores, poetas e coreógrafos. O resultado é Em Cena Sonora, nova série da Rádio Itaú Cultural, com programas experimentais que misturam artes cênicas com peças sonoras.

Com diferentes abordagens, os quatro programas sugerem imagens, movimentos e encenações que você ouve ou baixa para ouvir onde quiser. Confira! (ITAÚ CULTURAL).

Outros centros de pesquisas, pelo mundo, estão caminhando na perspectiva de trabalhar a arte híbrida pela ótica pedagógica transdisciplinar. Lembro que de 3 a 5 setembro de 2009 o Colégio das principais universidades da Catalúnia, Espanha, realizou O III Congreso de Educación de las Artes Visuales, com o tema: Por um diálogo entre as artes.  Então, parece evidente que as expressões artísticas e a comunicação estão em uma reta de sintonia no sentido de ver e rever conteúdos e metodologias nas áreas em questão.

Essa abordagem não é nova, é secular; “o projeto da modernidade instituiu a especialização e criou um superespecialista” (COELHO, 1995, p. 106), o tecnocrata, o “gênio” de uma única área do conhecimento, o exímio conhecedor de uma única coisa, o deus da sabedoria. Ela limita possibilidades de vivências transdisciplinares, por esse motivo está sujeita a críticas, principalmente quando nos reportamos a uma compreensão rizomática do conhecimento.

Então, diante da pluralidade representativa do universo da arte, nesse início de século XXI, acredito que passou da hora de pesquisadore(a)s da área em questão, pensarem sobre a perspectiva de que a dicotomia entre teoria e prática no ensino de arte, leituras e vivências, merecem uma análise aprofundada que não seja aquela da departamentalização do conhecimento sobre o estudar e o experimentar arte.

Referências

CARTAXO, Carlos. Amor invisível: artes e possibilidades narrativas. João Pessoa: Ed CCTA, 2015.

______ O ensino das Artes Cênicas na escola fundamental e média. João Pessoa: Edição do autor, 2001.

COELHO, Teixeira. Moderno Pós-moderno. São Paulo: Iluminuras, 1995.

LINHART. Robert. Lenin, os camponeses, Taylor. Rio de Janeiro: Marco Zero, 1983.

SANTAELLA, Lucia. Por que as comunicações e as artes estão convergindo? São Paulo: Paulus, 2007.

http://www.itaucultural.org.br/bcodeaudio2/64458_64459.mp3

 Fotos: Sheyla Targino

Formação de professor e qualidade da educação

 Formação de professor e qualidade da educação

Carlos Cartaxo

É importante termos consciência de que a educação deve ser determinada por uma política de Estado. Muitos veem a educação como uma política de governo. Esse raciocínio é um equívoco porque é determinístico para o debate em pauta. Governos saem, governos entram; já o Estado permanece com suas responsabilidades políticas e administrativas. Considerando o conceito acima podemos afirmar que formação é uma questão de política de Estado cuja aplicação necessita de uma ação de governo. 

Então o governo que cumpri uma policia de Estado de investir em educação, tendo como um dos pilares a formação do professor, está gerindo essa área com a responsabilidade devida que todo país merece. Pois bem, no momento estamos diante de uma quadro pouco favorável a esse raciocínio. O governo Federal do Brasil acabou de aprovar o projeto de Lei do Ensino Médio que cria a figura do professor notório saber. Na verdade essa “figura” foi tirada do fundo do baú onde já havia sido “esquecida” devido seu papel pouco construtivo para a qualidade na educação.

O professor notório saber fazia sentido quando a sociedade não tinha profissionais qualificados pedagogicamente para ministrarem certas áreas do conhecimento. Todavia, hoje com inúmeras licenciaturas, não faz sentido colocar em sala de aula quem não tem formação pedagógica para tal. Na prática significa dizer que o engenheiro, da prefeitura ou da construtora, pode dar aula de matemática ou física. A enfermeira, do posto de saúde, pode ministrar biologia e ciências. O padre pode ministrar línguas e português. O organizador de casamentos e festas infantis pode dar aula de artes, etc. Essa lógica de adoção do professor notório saber é um retrocesso; é perversa no que concerne a busca de qualidade na educação para nossos filhos e para todos os discentes independentemente de classe social. É claro que não está em tela a competência de conteúdo do engenheiro, da enfermeira, do padre, muito menos do ornamentador. O que está em jogo é a formação pedagógica do profissional que assume o papel de professor.

Esses profissionais não licenciados, certamente, não conhecem, com propriedade e com vivências didáticas as tendências pedagógicas. Quem assume a tarefa de educador precisa conhecer as principais tendências, ou seja, Tradicional, Escola Nova, Tecnicista, Libertadora, Crítico-social dos conteúdos, Piagetiana, Construtivista e Construcionista. Sem conhecimento, como vão proceder em sala de aula? Que instrumentos e recursos pedagógicos utilizarão nas aulas? Essas questão aparentam simplicidade, todavia, no fundo, são de uma complexidade significativa porque a propensão é que o profissional docente não qualificado trabalhe com a tendência tradicional, que é uma proposta de educação centrada no professor, cujo procedimento pedagógico se resume em ações de vigiar os alunos, aconselhá-los, ensinar a matéria de forma reprodutiva e corrigi-la de forma que a verdade seja unilateral.

Sem conhecimento pedagógico, o professor, na maioria dos casos, não implementa uma relação de ensino-aprendizagem construtiva e dialógica. A relação não é flexível, mas instável, despontando insegurança em quem ensina e em quem aprende. O laço pedagógico constituído, nesse caso, tem como base o amor líquido (BAUMAN, 2004) que se exaure com uma rapidez estonteante, imprevisível, confuso e complexo.

O tema Formação de professor e qualidade da educação faz parte de um contexto que foi diretamente afetado pela Medida Provisória, MP, Nº 746/2016  da contrarreforma do Ensino Médio, no Brasil. Ela altera a Lei 9.394 de Diretrizes e Bases da Educação Nacional quanto ao termo Notório Saber. Essa MP resgata a figura do professor notório saber, que é aquele não precisa ter graduação, nem formação pedagógica para ensinar. No artigo 1, no item IV, da Medida Provisória, lê-se: “IV – profissionais com notório saber reconhecido pelos respectivos sistemas de ensino para ministrar conteúdos de áreas afins à sua formação para atender o disposto no inciso V do caput do artigo 36” que diz: “Art. 36.  O currículo do ensino médio será composto pela Base Nacional Comum Curricular e por itinerários formativos específicos, a serem definidos pelos sistemas de ensino, com ênfase nas seguintes áreas de conhecimento ou de atuação profissional: I – linguagens; II – matemática; III – ciências da natureza; IV – ciências humanas; e no que concerne a formação de professor diz: V – formação técnica e profissional.” Portanto, cada sistema de ensino poderá reconhecer diferentes profissionais para ministrarem os conteúdos referentes à área técnica e profissional, sem exigência de uma formação em licenciatura, por exemplo.

 Se contrapondo a referida Medida Provisória, fortaleço a ideia de que a formação do professor deve ser constituída de duas fases. A primeira a formação inicial que se dá na licenciatura; e a segunda, continuada, que se dá quando do exercício da profissão. A sustentação que dá suporte a qualidade do ensino, no que concerne a formação do professor, é a formação continuada. Contudo se o professor é notório saber e não tem uma formação pedagógica inicial, para ministrar aulas, como se dará a formação continuada. Com esforço esse professor tentará acompanhar o debate pedagógico acerta dos avanços metodológicos da disciplina e dos conteúdos que ministra, todavia na realidade é um professor, notório saber, fora do contexto pedagógico e tentando trabalhar com procedimentos tradicionais que se chocam com a realidade pós-moderna em que estamos inseridos.

Todo professor deve conhecer a evolução do pensamento da criança para poder diagnosticar a fase evolutiva da aprendizagem em que o discente se encontra. Essa é uma condição necessária para se ter na sala de aula uma aprendizagem que seja prazerosa e motivadora. Isso significa dizer que o profissional que não tem formação pedagógica encontrará em sala situações que ele não tem formação para administrar. Nesse caso será instituída uma relação de poder onde a razão estará sempre com o professor e o aluno se torna um sujeito invisível no processo de ensino-aprendizagem.

A qualidade na educação está diretamente ligada a formação de professor. Essa é uma relação que exige decisões políticas que devem ser consolidadas e elaboradas a partir da determinação de relações de poder, realidade que tem sido constituída por políticas pedagógicas equivocadas e, concretamente, falta de políticas de Estado para uma educação voltada a equidade do saber. Por ilação, é um equivoco incomensurável o retorno do professor notório saber à sala de aula porque é a volta de uma educação opressora, conservadora, indo na contramão da educação que faz do aluno um sujeito ativo e participativo no processo de ensino-aprendizagem.

Referências

BAUMAN, Zygmunt. Amor líquido: sobre as fragilidades dos laços humanos. Rio de Janeiro: Jorge Zahar Ed., 2004.

CARTAXO, Carlos. Amor invisível: artes e possibilidades narrativas. João Pessoa: Ed. CCTA, 2015.

______O ensino das artes cênicas na escola fundamental e média. João Pessoa: edição do autor, 2001.

FOUCAULT, Michel. A Arqueología do saber. Rio de janeiro: Forense Universitária, 2008.

FREIRE, Paulo. Pedagogia do oprimido. Rio de Janeiro: Paz e Terra, 1988.

GOERGEN, Pedro. Pós-modernidade, ética e educação. Campinas: Autores Associados, 2001.

GOODSON, Ivor F. Historias de vida del profesorado. Barcelona: Octaedro, 2004

VYGOTSKY, L. S. Pensamento e Linguagem. São Paulo: Martins Fontes, 1991.

http://appprova.com.br/2016/09/29/notorio-saber-verdades-e-mitos/